芭蕾舞由“心”的表现力培育

郭睿

摘要：芭蕾舞艺术呈现在当前时代万象更新的背景下，在尊重教育体制的前提下，更看重形成改变为现在的综合素质培壅。芭蕾舞看似令人生畏的古典舞蹈，它的表现手段有自己特定的线条与形状。随着难度和体会的加大，我们的理解也会渐渐演化。从实质上看芭蕾舞教学要基于技术厚度的内心与感情的核心需求，致力于阐明艺术与技术的分界，发挥富有生命维度的动作表现力。此次研究主要就芭蕾舞教学中舞蹈表现力的培育方式做了概略分析，期于进一步促进舞者表达中的艺术核心素养提升。

关键词：芭蕾舞 培育策略 表现力

从本质上来讲，舞蹈表现力属于舞者在进行舞蹈表演期间所必须要具备的一项基础能力，集合于舞者理解舞蹈作品的内涵，肢体语言的特点，音乐的由心以及环境氛围的融合，有可能产生出作品的情感生命力。从现实的角度分析，芭蕾舞属于一项具有较强综合性的舞蹈，对于舞者的形体造型、肢体管控力度要求极高。在这种情况下，相关芭蕾舞教师在实践对学生进行芭蕾舞教学的过程当中就更有必要重视对于学生舞蹈表现力的培育。换言之，在对学生们进行芭蕾舞教学的过程中老师们也要对学生们的舞蹈表现力教育引起一定的重视，在教学的过程中不单纯只是让学生们掌握舞蹈技能与动作的娴熟，更是精神表达表现力的另一种培养策略。

一、由“心”表现力的价值分析

随着我国芭蕾舞教师对于学生舞蹈表现力培养研究的不断深入，教师经过时间深入的实践调查研究发现，对于学生舞蹈表现力的培养工作是当前芭蕾舞教师在教学过程中必不可少的环节。舞蹈表现力在芭蕾舞表演中内蕴丰富的意境、节奏、韵律、品位价值，影响情感的感染。由心所思、所感、所创的表现力培养引起高度重视，其中具体表现在以下几个方面。其一为，舞蹈表现力可以有效地提升芭蕾舞舞蹈的感染力，能够让观众们也感受都舞蹈中所包含的情感，舞者在进行芭蕾舞表演的过程当中，通过舞蹈表现力可以有效的表现出芭蕾舞作品的感情以及艺术内涵，使舞蹈表演得到升华，能够让观众和舞者产生情感的共鸣让观众也能够感受到舞者的内心世界。其二为，舞蹈表现力还可以凸显出芭蕾舞的情感特征，舞者在实践进行芭蕾舞表演的过程当中，取得观众理解作品的内涵，仅靠舞姿将很难表现出来，需要舞者能够借助自身的技巧服务于由“心”的表现力，展出动作富有生命力，神韵形体显现融入到舞蹈的情感，从而保证芭蕾舞表演能够给观众以视觉享受及从心的共鸣。

二、培育中阻碍性问题分析

即使统一性的舞蹈动作看起来是觉得很美或一些高难度的动作能够给观众带来不一样的视觉体验，然而，针对芭蕾舞这样的舞蹈来说更重要的是要让舞者将自己内心对于舞蹈的感情融入到舞蹈动作中去，而不是一成不变的照搬这个舞蹈动作，应该要让他（她）们能够更具自己内心的感情去进行舞蹈表演，将舞者对于这个舞蹈的情感表达出来并让观众们通过视觉感受到舞者所表达出的情感。在学生全然依据舞蹈动作来“摆弄”自己身体时，就会使得舞蹈丧失了生命力与灵魂，会造成芭蕾舞逐渐成变成“机械舞”或是“僵尸舞”，逐渐丧失了本来具有的魅力。通常来说，老师在为学生讲述芭蕾舞的动作要领期间，都会多次对学生讲：芭蕾舞最为显著的特征就是“提”，也可以说在进行芭蕾舞表演时，如果想要让自己的身体一致处在“跳立”状态中，同时还需要将腿部表演作为主要形式，将全身的力量都集中到自己的腿部，借助腿部动作来展现出芭蕾舞所具有的美。即使芭蕾舞为观众带来的感觉就是动作不要拖泥带水、收放自如，每个动作间的转化通常是依靠直线或是直角来完成，然而这却少了一种“弯曲美”，带给人们一种严肃且庄重的感觉，因此造成芭蕾舞实际的表现能力较差。

芭蕾舞给人们带来舞蹈中的视觉感受有所不同，芭蕾舞显得更为严谨和规范，是一种表现美、展现美、抒发美的舞蹈，是要让舞者将自己对于这个舞蹈的感情融入到舞蹈动作中并表现出来让观众们能够感受到舞者的情感从而感受到芭蕾舞的克__制与严谨的魅力。在教学的过程中教师们更加注重舞蹈动作的规范性和表演的严谨性，从而忽视了让舞者们对于情感的表达，使得舞蹈动作变的死板、机械。大部分芭蕾舞老师非常重视课堂纪律在课堂上都是不苟言笑的，这就使得课堂的气氛也压抑，假如学生长时间处在这样的学习环境之下，势必会影响到其对于舞蹈本身的理解能力与表达舞蹈情感的成效，并且在实践教学过程里，老师更为注重的则是动作具有的规范性，忽略了学生所提出的个性化需求，因此这样忽略学生自身情绪对于教学效果的影响，这样的教学方式就无法培育出高水准的芭蕾舞舞者，并且也影响到了芭蕾舞实际的表现力。

根据有关机构和相关芭蕾舞研究学者的调查研究表明，在对学生们进行芭蕾舞的教学时，过于追求标准化的舞蹈动作，对舞蹈动作的要求都十分坎坷、严格，强迫舞蹈动作的标准化。这就会导致虽然舞蹈动作看上去比较困难但在舞者身上却看不到丝毫的情感化的内容，这就会使得舞蹈动作看起来十分僵硬缺少靈魂的美感，芭蕾舞终将不是特技表演，而过于复制化舞蹈动作会让芭蕾舞的表演对比而言缺少情感化的内容，且表演的方式较为单一化，在表演的过程中舞蹈动作整齐划一的情况非常严重，整体上看上去虽然很整齐化一但却又缺少了灵动性，看上去毫无“生机”，现阶段大部分芭蕾舞蹈，从开始到结束舞蹈所做的点线连接都是运用直角与直线，极少会融入一些“圆”或是“沉”的元素，难以把芭蕾舞演员本身的肢体美都体现出来，使得舞蹈整体上缺少相应的灵动性，看上去比较僵硬。并且，或是因为芭蕾舞本身是一种艺术性的表演，然而在现下芭蕾舞教学过程中更为重视学生本自身气质的展现，这就导致大部分芭蕾舞演员在表演中极少会有面部表情，为观众带来一种生冷且僵硬的距离感。固定化的动作设计、不变的表情以及缺少情感化的舞蹈表演模式，极易拉长观众和芭蕾舞之间的距离。

三、表现力培育的新路径分析

（一）艺术与技术的分界线

在教学的过程中老师需要摒弃以往芭蕾舞教学中所存在的弊端，不能照搬以往的教学方式进行死板的标准动作教学，应该把相应的启发因素都添加到课堂的教学中来，主动指引学生在本来的舞蹈基础上实施创新，让学生们能够更舒展自己的情绪去完成舞蹈动作，将自己对于舞蹈的情感表达到舞蹈动作中，当然这里不指过激的“群魔乱舞”。在教学的过程中教师借助鼓励和指引取代以往只关注基础功力的芭蕾舞课堂。为了调动起学生对于学习的积极性，也会联结主动进行“即兴舞蹈”的教学活动，让学生们根据自己的情绪去进行舞蹈选择自己想要表达情绪的舞蹈动作，长此以往学生们就能够在舞蹈动作中融入一些情感。比如，老师能够借助小组合作的形式，将班级上的学生按照大致相同的人数分成小组，然后让学生们拉开一定的距离去站立。先让学生将闭上眼，感知音乐旋律以及音乐的情感，让他跟随自己的心灵去将感受到的用自己所掌握的舞蹈动作表现出来，这样不但可以对学生们对于舞蹈动作基本功的掌握进行一定的了解，还能认识到学生们对于舞蹈的创造能力和想象力。并且，老师还需要定期就学生自身想象能力与舞蹈创造能力实施检测，指引学生从现实生活作为出发点，去感受生活中所包含的事物，酝酿自己的舞蹈灵感，同时借助肢体与动作地表达自己所想要表述的内容。老师需要把启发性的教学内容和创新性的教学内容添加到平时的芭蕾舞教学期间，让学生能够在感悟中进行搜索、在创造中提高自己的舞蹈水平，让学生对于芭蕾舞表现力具有一定的认知。

（二）为内心服务，为感情服务

舞蹈表现能力作为舞蹈的灵魂，就如同赋予了舞蹈生命一样，改变以往那种僵硬死板的舞蹈动作能够给观众们带来美的感受，在以往刻板的教学方式之下使得更多学生仅是学会了相应的舞蹈技能与技术，并未具备过硬的舞台表现能力，这样的舞蹈学者只可以称之为匠人，并不能叫做舞蹈艺术家，何为艺术家，在我看来大师就是能给事物赋予生命和灵魂的匠人，不但要完成创作还要能够让事物变的更加灵动，就像龙谁都会画而关键的是在于“点睛”。在专业化的舞蹈教学当中，老师不只应该让学生能够娴熟地掌握相关舞蹈技巧与舞蹈动作，还应该重视学生对舞蹈所涵盖内在情感的理解，以及对舞蹈含义的掌握，和对于音乐所包含情感的感知和表达，借助这样的教学方式才能够让学生自身的想象力得到补充，同时让所有舞蹈动作都能够完美地诠释出舞蹈中所包含的思想内涵，在音乐和舞蹈动作所包含的情感完美结合之后能够将这个舞蹈所包含的情感完美的诠释出来，这样才能够有效的提升对舞蹈这门艺术的表现能力。因此，在实践教学期间老师应该指引学生，投入到相应的舞台场景之中，想象自己已经进入到这种舞蹈环境之中，和整个舞蹈的氛围与气氛能够有效结合，把自己浓郁的思想感情都融合到这些舞蹈技巧中，提升自身所具有的舞蹈表现力。

（三）从心表欲的审美敏感

审美能力的培育对于增强学生自身舞蹈表现能力一样有着重要的价值与意义，因为在我看来想要让学生们表现出美首先就要让他们能够学会寻找美，因此为了能够让他们成为一个真正的舞蹈大师培养他们寻找美的能力也是必不可少的，只有让他们具备了审美的能力才能让他们创造出更美的东西。舞蹈动作本身就是一门“很美”的艺术，而这就需要学生们对相关舞蹈动作具有的审美能力，使得审美能力也成为了一个舞蹈大师所必须具备的能力。并且学生自身的审美能力将会直接影响学生本身舞蹈表现能力的呈现。在对学生们进行教学的过程中也应该要让他们带着鉴赏的眼光，去观察每个舞蹈动作所具有的艺术气息，从而让学生们能够深入感受到舞蹈动作所具有的艺术内涵，同时把本身的感情和舞蹈的艺术性有效结合到一块，通过舞蹈动作将音乐和舞蹈所要表达的情感表现出来赋予舞蹈__“生命”，进而感受到艺术的存在。但在完成课上教学之后，老师能够带领学生进行积极的讨论，讲述舞蹈动作所包含的思想内涵和思想感情，借助这种方式来增强学生本身所具有的審美能力，从而强化学生对于学习的积极性与主动性。

（四）触动音乐情感的沟通

在舞蹈表演的过程中要让学生们能够准确的认识到音乐、动作以及表情是一个不容分割的整体，在学生们表演的过程中要让他们将这三个部分融为一体，将它们密不可分才行，这样才能够让观众们更为直观的感受到舞蹈的美感。然而舞蹈音乐作为一种情感艺术，在音乐中的投入、想象与思考的范畴都是非常广阔的，且是一种无法造型的艺术，没有一种准确的模式标准。在观众们感受相关的舞蹈音乐作品时，都是借助人的听觉感官所获得的音像效果，这样获得的音像感官可以直接和人们的生活经历相互撞击，进而让观众们以获得对作品的理解与分析从而感受到舞蹈动作所要表达的情感和艺术美。为了能够让学生们步入到舞蹈的意境，“听”是感知与理解音乐的主要基础也是一个最为基本的步骤，因此，在正式教授舞蹈前，老师可以先给学生们提供足够的时间，让其能够完整去聆听音乐，有充分的时间去感受音乐，进而使其达成在聆听上所提出的需求，在让他们听音乐的时候不仅仅只是用听觉上的感受更多的是心灵上的冲击。借助音乐来刺激听觉，让其对心灵产生影响产生触动，进而让学生们感受到乐曲所具有的性质，同时让其谈一谈在鉴赏音乐时所产生的想象，在鉴赏音乐时让他们想起来了什么舞蹈动作，进而再借助动作来展现音乐，如此一来，就能够调动起学生对于音乐的表现欲望，并且也给学生创造和表现动作做好前期的准备。这样就可以更好地感受并理解音乐作品中所包含的情感，也塑造了相应的教学氛围，深化学生对于学习内容的领域和感受。

（五）享受身体相通，感知动作生命力

专业性的舞蹈能力，是增强舞蹈表现力的关键条件，也是一个舞者所必须具备的基础能力。我们所说的专业性舞蹈素质，通常包含着肢体力量、柔韧性以及肢体控制能力和肢体平衡力这些方面的能力。如果想要培养出专业性较强的芭蕾舞演员，我们舞蹈老师就务必要重视起对学生们舞蹈基础能力的教学，在巩固学生芭蕾舞的一系列基本动作的同时，还需要就各种各样的芭蕾舞表演内容，制定出差异化的情感动作因素让学生们对于情感化的舞蹈动作有一定的了解，并且能够让学生们在巩固自己芭蕾舞基础的同时，还能够借助各种舞蹈动作来呈现自身的舞蹈情感，进而让学生们能够做到将自己的情感融入到舞蹈动作中去，从而离舞蹈大师这个目标更进一步。为了巩固学生们所具备的专业素质，增强其肢体对于音乐气氛的感知能力，就需要老师们在舞蹈教学期间主动的借助各种教学动作，进而来提升学生自身的肢体的表达能力，从而使学生们的舞蹈专业水平得到提高。比如，对于欢快和轻盈的音乐内容，老师就能够指引学生借助脚跳、旋转、踢脚跳以及小踢腿这些动作，诠释出欢快的音乐氛围；
对于悲伤和缓慢的音乐氛围，老师需要指引学生借助擦地、蜷腿侧跳、伸展以及画圆圈这些动作，来体现出忧伤的音乐氛围；
不容忽视的是，老师需要主动在教学过程里添加一些头部动作与面部表情，在真正意义上让观众借助舞者的肢体去感知艺术，更为深入地诠释出舞蹈表演中的情感。

四、结语

达到这些会需要很多毅力与耐心，基本元素的整合可能需要很长时间。而芭蕾舞的妙处就在于此，它可以让舞者按照自己的步调前行，并且可以在同一练习中纠正出现的各种问题。这也是在享受着跟自己的身体沟通与协调的过程。这个过程就像是认识自我、肯定自我、超越自我的过程。结合以上内容，从现实的角度分析，现阶段我国社会群众已经极为重视自身艺术素养的提升，并且正在积极努力地培育青少年群体的舞蹈艺术素养，而芭蕾舞属于一种极具艺术性的舞蹈，舞者在学习芭蕾舞技能的过程当中不仅可以极大地提升其自身的艺术核心素养以及艺术鉴赏能力，同时审美能力也可以随着芭蕾舞技能掌握能力的提升而不断提升。因此，相关芭蕾舞教师在实践开展芭蕾舞教学活动期间需要累积培养学生舞蹈表现力的经验，强化对于舞蹈表现力教学中舞蹈表演力培育方式的研究，结合具体情况制定出具有针对性的培育措施，从而提升芭蕾舞教学成效，进而提升舞者的艺术核心素养及能力。

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